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Muere Agnes Varda, directora de la nueva ola francesa

La cineasta francesa Agnes Varda posa para una sesión de fotos del film "Varda por Varda" en la 69th edición de la Berlinale en 2019.

PARÍS (AP) - Agnes Varda, una pionera de la Nueva Ola del cine francés y una activista feminista que más tarde ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia, falleció a los 90 años.

Su compañía productora Cine Tamaris confirmó el deceso el viernes luego que los medios de prensa franceses reportaron la noticia.

La rica filmografía de Varda incluye películas como "Cleo de 5 a 7", “Sans toit ni loi” ("Sin techo ni ley", por la que ganó el León de Oro en 1985), "Jacquot de Nantes" y "Les glaneurs et la glaneuse" ("Los espigadores y la espigadora").

Apodada la Abuela de la Nueva Ola, Varda fue por años una figura habitual en el Festival de Cine de Cannes, donde presentó más de una docena de filmes desde 1958 hasta el 2018. Fue parte del jurado de Cannes en dos ocasiones y el festival le entregó una Palma de Oro honoraria en el 2015 por su destacada trayectoria.

Varda fue la primera mujer en recibir tal honor, y con frecuencia buscó un mayor reconocimiento a las mujeres en la industria.

El año pasado en el festival de Cannes, se unió a la presidenta del jurado Cate Blanchett para un discurso bilingüe contra la violencia sexual tras el nacimiento del movimiento #MeToo.

"Las mujeres no son una minoría en el mundo, y sin embargo nuestra industria dice lo contrario. Los peldaños de nuestra industria deben ser accesibles para todos. Escalemos", dijo.

El Festival de Cannes tuiteó que la muere de Varda era motivo de "inmensa tristeza".

"Por casi 65 años, los ojos y la voz de Agnes Varda encarnaron el cine con creatividad infinita. El lugar que ella ocupó es. Agnes amaba las imágenes, las palabras y a la gente. Es una de esas personas cuya juventud nunca se desvanecerá", continuó el tuit.

Con su distintivo pelo mitad rojo mitad blanco, Varda era fácilmente reconocible en el circuito del cine europeo, donde a menudo era una de las pocas mujeres directoras en la multitud.

Varda fue honrada el mes pasado en el Festival de Cine de Berlín con la Cámara de la Berlinale, un premio a la trayectoria. El festival tuvo su mayor número de directoras hasta la fecha, algunas de las cuales nombraron a Varda como una inspiración.

Su documental de 2017 con el artista callejero JR, "Rostros y lugares", fue nominado a un Oscar - haciendo de Varda, entonces de 89, la persona de mayor edad postulada a un Premio de la Academia - y fue nombrado mejor documental en los Premios Spirit del Cine Independiente.

"No hay nada de qué estar orgullosa, sino feliz", dijo Varda. "Me encanta mi propio trabajo y lo he hecho por tantos años, así que no lo hice por honor ni por dinero", señaló. "Mis películas nunca hicieron dinero".

Cuando no pudo asistir al almuerzo de los nominados al Oscar, JR llevó unas fotos troqueladas de Varda tamaño real con las que recorrió la alfombra roja.

Nacida en Bruselas el 30 de mayo de 1928, Varda se inició como fotógrafa luego de estudiar arte y literatura. En 1951, fue designada fotógrafa oficial del Theatre National Populaire, un cargo que desempeñó por una década.

En 1954, mucho antes de que Jean-Luc Godard y Francois Truffaut se convirtieran en figuras emblemáticas de la Nueva Ola, la primera película de Varda, "La Pointe Courte", seguía a una pareja que atravesaba una crisis en el pequeño puerto de Sete, en la costa mediterránea.

Hizo varios cortos documentales, pero por falta de fondos no pudo hacer su siguiente largometraje, "Cleo de 5 a 7", hasta 1961. Adquirió prominencia con ese filme, una película en tiempo real sobre una joven que podría tener cáncer.

Apoyado por el empresario francés Georges de Beauregard, quien había financiado "Sin aliento" de Jean-Luc Godard, el filme seguía la evolución de Cleo de una estrella pop superficial a un auténtico ser humano capaz de comprender el dolor en ella y en otros.

"Cleo" fue un éxito comercial elogiado por la crítica, lo cual creó expectativas para "La felicidad", que ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín de 1965.

Varda continuó explorando los temas de la enfermedad y la vida a lo largo de su carrera. Su mayor éxito llegó en 1985 con "Sin techo ni ley", protagonizada por Sandrine Bonnaire en el trágico papel de una joven marginal deambulando hacia su muerte.

Varda estuvo casada con el director francés Jacques Demy, quien murió en 1990. Le sobreviven sus dos hijos, Mathieu Demy y Rosalie Varda, también involucrados con el cine francés.

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Cortometraje en Nueva York recuerda a los niños "Pedro Pan" que dejaron Cuba

"Esta es tu Cuba", película de Brian Robau sobre el éxodo Pedro Pan.

La historia de los niños que salieron de Cuba hacia Estados Unidos en 1960, en la Operación Pedro Pan, llegó el pasado viernes al Festival de Cine Latino de Nueva York HBO con el corto "Esta es tu Cuba", seis décadas después de ese suceso que marcó la vida de muchas familias separadas.

La película, dirigida por Brian Robau como un proyecto para la universidad donde estudiaba, se presentó en este festival después de haber participado en otras exhibiciones y de haber ganado varios reconocimientos.

Entre ellos, en 2018 se llevó la medalla de bronce en la categoría de Narrativa de los Premios Óscar de los Estudiantes, que cada año desde 1972 otorga la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de EE.UU. para impulsar el talento emergente.

"Esta historia nunca se había contado de esta manera, desde el punto de vista de un niño. La historia tiene mucho corazón, inspirada en su padre, que fue un Peter Pan. Yo también tengo familia que fue Peter Pan", dijo a la agencia de prensa Efe Maylen Calienes, productora ejecutiva del cortometraje.

"Esta es tu Cuba", filmada en 2017 en Puerto Rico, que sirvió como escenario para la Cuba de 1960, cuenta ese momento de la historia a través de la mirada de un niño, Antón, de diez años, que experimenta las transformaciones que vive el país a inicios de la revolución cubana.

La madre de Antón, al que da vida Mauricio Alemañy, decide enviarle a Miami después de que su padre fuera arrestado por expresarse en contra de la revolución.

La historia está inspirada en lo que vivió el padre de Robau, uno de los 14,000 niños enviados a EE.UU. entre el 1960 y 1962 en la Operación Pedro Pan, coordinada por el Gobierno de EE.UU., la Iglesia Católica y los cubanos en el exilio.

El filme "pretende explorar los efectos y consecuencias que una revolución tiene en la mente de un niño y en la percepción del mundo", según la producción.

Alfred Hitchcock: 120 aniversario de Su Majestad, el imbatible Rey del Suspense

Alfred Hitchcok en una de sus últimas visitas al Festival de Cine de Cannes

Este martes se cumplen 120 años del nacimiento de Alfred Hitchcock, uno de los mayores genios en la historia del cine, autor de películas para la eternidad, considerado como el gran maestro del suspense y aun plenamente vigente como influencia de los más brillantes autores modernos del género.

Desde Jordan Peele (“Get out”, “Us”) hasta David Fincher (“Gone girl, gone”, “Panic room”), pasando por Martin Scorsese (“Cape fear”, “Shutter island”), gran parte de la trayectoria de Brian de Palma e incluso David Lynch (“Mulholland drive”), las referencias al cine de Hitchcock se suceden en tramas que convierten al espectador en voyerista, con falsos acusados, víctimas rubias e identidades dobles.

François Truffaut aseguraba, incluso, que Hitchcock se encontraba al nivel de artistas como Kafka, Dostoyevsky y Edgar Allan Poe a la hora de describir la ansiedad del hombre.

“Hitchcock es puro cine, influencia ‘a fuego’ en el género y fuente de inspiración para tantos cineastas”, dijo a Efe el director español Francisco Javier Gutiérrez (“Rings”), un gran admirador de Hitchcock al que rindió homenaje con el cortometraje “Norman’s room”, que giraba en torno a la célebre secuencia de “Psycho” en la ducha, “de brillante ejecución e impacto”.

Aquel asesinato de Marion Crane es para Gutiérrez “referente y objeto de fascinación casi obsesiva”, un “momento irrepetible” del séptimo arte que logró “clavar en la retina” de los espectadores. Nominado al Óscar en cinco ocasiones como mejor director (“Rebecca”, “Lifeboat”, “Spellbound”, “Rear window” y “Psycho”, 1960), únicamente recibió el reconocimiento de la Academia de Hollywood con la estatuilla honorífica que se le hizo entrega en
1968 de manos de Robert Wise. Además, cuatro de sus obras obtuvieron
la nominación como mejor película (“Foreign correspondent”, “Suspicion”, “Spellbound” y “Rebecca”, que se llevó el galardón).

Pero su talento iba mucho más allá de lo que los premios podían
atestiguar.

El orondo realizador nacido en Essex el 13 de agosto de 1899, construyó una filmografía sin parangón a lo largo de seis décadas.

Sus inicios en la época del cine mudo dejaron perlas como “The Lodger”, en la que comenzó a labrar su peculiar capacidad para crear tensión y suspense (el denominado estilo “hitchcockian”), esta vez con una historia en la que una mujer sospecha que uno de sus huéspedes es un temido asesino en serie conocido como “El vengador”.

Además, la cinta es recordada por ser la primera ocasión en que el director hizo acto de presencia en la pantalla, una seña que se convertiría en característica de su cine.

Su primer trabajo hablado fue “Blackmail”, un film rodado originalmente en mudo y que, posteriormente, fue reeditado con sonido.

Y antes de dar el gran salto a Hollywood convencido por el productor David O. Selznick (con quien firmó un contrato por cinco películas y 800.000 dólares), dejó dos de los mejores thrillers británicos de la historia (“The 39 steps” y “The lady vanishes”) con elementos tan recurrentes de su cine como el espionaje y la confusión de identidades.

Con su marcha a EEUU se vio al Hitchcock más brillante y no pudo comenzar esa andadura con mejor pie que con un clásico en toda regla como “Rebecca” (1940), una película protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine que obtuvo 11 candidaturas a los Óscar.

Fontaine, un año después, se llevó el premio de la Academia por “Suspicion”, algo que ningún otro actor (hombre o mujer) logró con una película del cineasta británico.

Esa cinta supuso también su primer trabajo con Cary Grant, con quien volvió a colaborar en “Notorious”, “To catch a thief” y la mítica “North by northwest”, cuya escena del avión acechando al protagonista pasa por ser una de las más recordadas del celuloide.

“Rope” (1948), su primera película en color, fue también el inicio de sus trabajos con James Stewart, con quien filmó después “Rear window”, “The man who knew too much” y “Vertigo”.

Y en ese catálogo faltan aún por mencionar títulos como la célebre “The birds”, “Topaz”, “Torn curtain”, “Strangers on a train”, “Dial M for murder” o “Marnie”, entre otros, además del famoso formato televisivo “Alfred Hitchcock presents”, cuya inolvidable sintonía daba paso a la aparición de perfil del celebrado realizador.

Elisabeth Moss habla de "The Kitchen" y las mujeres en el cine

La actriz Elisabeth Moss en el estreno mundial de "The Kitchen", en el TCL Chinese Theatre, en Hollywood, California.

La actriz Elisabeth Moss cree que desde hace unos años la industria del entretenimiento "está comenzando a sacar a la luz historias sobre mujeres que aún no han sido contadas", como su última película "The Kitchen", protagonizada junto a Tiffany Haddish y Melissa McCarthy.

En la cinta, que llega mañana a los cines estadounidenses, el trío interpreta a un grupo de mujeres de la década de 1970 que comienzan a relacionarse con las mafias de Nueva York al tener que ocuparse de los negocios ilegales de sus maridos, encarcelados por las autoridades en el barrio de Hell's Kitchen, ubicado en el oeste de la Gran Manzana.

"Es una de esas historias que aún no habían sido contadas y creo que por eso es interesante que haya proyectos con mujeres involucradas. Estamos sacando a la luz relatos que hasta ahora nadie conocía", explica Moss en una entrevista con EFE junto a sus compañeras de reparto.

Precisamente, la película dirigida por la cineasta Andrea Berloff ha llamado la atención de la industria cinematográfica por narrar una historia de mafia y crimen desde el punto de vista de la mujer, con un reparto muy valorado por el público y la crítica.

"Tenemos la oportunidad de contar el otro lado de la historia. Por eso es importante que haya más mujeres en la industria como el caso de esta película, dirigida y escrita también por una mujer", defiende la actriz premiada por sus papeles en la serie "The Handmaid's Tale" y "Mad Men", ambos con un fuerte vínculo feminista.

A su lado, sus compañeras de reparto, Haddish y McCarthy, asienten cada una de las palabras que Moss pronuncia, hasta que McCarthy toma la palabra.

"Creo que la cosas van progresando, con pasos de bebé y a veces algunos hacia atrás. Pero aun así creo que el mundo debe cambiar drásticamente", sentencia.

Justo al comienzo de "The Kitchen" suena el estribillo de la canción "It's a Man's Man's Man's World" que dice "este es un mundo de hombres", pero pronto el foco se posa sobre los papeles del trío de intérpretes.

"Es importante ver a tres mujeres liderando una película así", señala McCarthy.

Su personaje como esposa de un mafioso envuelta en la vida criminal y madre de dos hijos es quizás el que afronta problemas más cotidianos por su condición de mujer en una época y un ambiente aún más adverso contra ellas.

"Muchos de los problemas que aparecen en el filme son reales en el mundo -considera-. No tenemos las mismas oportunidades, nuestras habilidades a veces no cuentan igual".

En ese punto es donde la actriz encuentra un sentido a su trabajo y papel: "Ver los problemas de las demás hacen sentir que no estás sola, que la gente tiene inseguridades, se preocupa por su familia... y eso nos hace estar juntas".

Precisamente, uno de los desencadenantes que llevan a las protagonistas a involucrarse en el violento pero lucrativo negocio de la mafia neoyorquina es su dificultad para encontrar un empleo al ser mujeres, con dedicación a la familia y poca experiencia previa.

Al recordar ese aspecto, Haddish defiende a su personaje: "No sigue el camino correcto, pero es una mujer fuerte que tiene sueños, ambiciones y está dispuesta a cumplirlos", asegura.

A pesar del tono reivindicativo de las actrices, no todo es político en "The Kitchen", pues en verdad el filme es una cinta de acción y crimen que recupera la frenética ciudad de Nueva York de los años 1970 y sus negocios sucios a base de corrupción, amenazas y pistolas, muchas pistolas.

"No fue difícil grabar con pistolas", recuerda McCarthy. Sin embargo, su compañera Haddish deja un recado muy ligado a la trágica actualidad.

"Las pistolas en el cine, no por ahí fuera", sentencia.

"The Lion King" y "Once Upon a Time in Hollywood" destronados por la franquicia "Fast and Furious"

El actor Dwayne Johnson durante la premier en Hollywood de Boot & Shawn

La cinta de acción "Hobbs & Shaw", de la poderosa franquicia "Fast & Furious", destronó este fin de semana en los cines estadounidenses a dos grandes apuestas: "The Lion King", de Disney, y "Once Upon a Time...in Hollywood", la última película de Quentin Tarantino.

Según los datos de Box Office Mojo, la producción "Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw" superó este fin de semana los 60 millones de dólares de recaudación en la taquilla del apartado "doméstico", una categoría en la que se agrupan los ingresos en EE.UU. y Canadá.

Así, la primera cinta derivada de la famosa saga de acción y coches se estrenó en las grandes pantallas liderando el mercado, pero con una recaudación menor que la de las películas de la trama original.

En "Hobbs & Shaw", los intérpretes Dwayne Johnson y Jason Statham
se enfrentan a Idris Elba bajo la dirección de David Leitch ("Deadpool 2", 2018), en un reparto que completan Vanessa Kirby y la mexicana Eiza González.

Muy pocos estudios se han atrevido a estrenar sus proyectos en el mismo fin de semana que se lanzaba la nueva película de una saga cuyos ocho filmes originales han recaudado en todo el mundo 5,132 millones de dólares, de acuerdo con Box Office Mojo.

En segundo lugar ha quedado "The Lion King", la nueva versión del clásico de Disney que se estrenó liderando la clasificación.

No obstante, a pesar de perder el primer puesto, la nueva versión de la historia del león Simba y su tío Scar ha recaudado hasta el momento un total de 430 millones de dólares en los cines norteamericanos (EE.UU. y Canadá) y ha superado los 1,000 millones de dólares en todo el mundo.

Por su parte, Tarantino y su guiño a la industria del cine en "Once Upon a Time... in Hollywood" quedan en tercera posición con 20 millones en su segunda semana, después de superar la barrera de los 40 millones durante su primer fin de semana, lo que supuso el mejor estreno para el director en toda su carrera.

En el tercer puesto se situó "Spider-Man: Far from Home", que añadió 7.75 millones de dólares a un botín acumulado en todo el mundo, que también supera los 1,000 millones de dólares.

Casi empatada, en cuarta posición, se colocó "Toy Story 4", que
se embolsó más de 7 millones y roza los 1,000 de recaudación global.

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