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“Lo que era, lo que soy, lo que seré”, documental sobre Maluma

Cantante colombiano Maluma

LAS VEGAS.- De aquel pequeño que jugaba al fútbol en Medellín, Colombia,a la estrella mundial del pop y el reguetón que ahora se codea con Madonna, Maluma estrena en YouTube un documental sobre su vida y aseguró a EFE que “nunca” dejará de ser “ese niño” que suspiraba por triunfar en la música.

“Hay mucho (todavía en mí de ese niño). Tengo un corazón que no ha cambiado muchísimo, la verdad. Sigo siendo un soñador y yo creo que nunca voy a dejar de ser ese niño”, explicó.

“Ese es uno de los propósitos y una de las cosas que me he puesto como meta: nunca dejar ir a ese niño y a esa alma joven que me incita todos los días a salir a buscar mis sueños”, añadió.

Bajo el título “Lo que era, lo que soy, lo que seré”, Maluma estrenará el 5 de junio en YouTube este documental que proporciona una mirada muy cercana al cantante desde sus humildes inicios hasta convertirse en una figura mundial adorada por millones de personas.

“Creía que era importante que la gente supiera lo que he vivido desde que comencé mi carrera. Quería que vieran a mi familia, que entraran un poquito en mi hogar y conocieran de dónde vengo”, indicó sobre un filme que espera sea “muy inspiracional” para las nuevas generaciones.

“Quiero cambiar la mentalidad de muchos jóvenes y quiero decirles que sí se puede”, señaló.

Cabe preguntarse si un artista con apenas 25 años tiene ya material suficiente para un documental biográfico, una fórmula habitual para homenajear a músicos veteranos que deciden echar un vistazo nostálgico a su carrera.

Pero, en el caso del colombiano, el documental presta una especial atención no tanto a sus gigantescos éxitos sobre los escenarios como a su cara más desconocida: cuando era Juan Luis Londoño y no, Maluma.

Así, el cantante destacó la función indispensable de su familia, a quien definió como su “motor”, su “gasolina” y su “motivación”.

“Me han inspirado mucho. Había momentos donde tuve que salir a buscarme el pan de cada día. Y fue por mi familia porque quería buscar una opción para sacarlos de ahí (…) Hago todo por ellos”, aseguró.

El documental también muestra la revelación que sintió cuando apareció en Colombia un ritmo que cambiaría la escena latina para siempre: el reguetón.

“Cuando el reguetón llegó a Colombia yo estaba muy niño, pero fue como amor a primera vista”, dijo.

“Mi tía me llevaba a los conciertos. Me acuerdo que fui a uno que cantaba Tego Calderón, Ivy Queen, Don Omar, Vico C… Eran todos estos grandes artistas, que hoy en día siguen siendo gigantes también y los admiro y respeto muchísimo. Fue ahí cuando comencé a querer este género”, añadió.

Con su último disco, “11:11” recién salido del horno y todavía disfrutando de su colaboración en el single regreso de Madonna “Medellín”, Maluma intenta, sin embargo, no olvidar los momentos duros de su trayectoria.

“Es un camino muy difícil. Y podría decir que el 90 por ciento de los artistas se ha retirado, ha fallecido en el intento, por así llamarlo. Siempre he dicho que no es quien más talento tenga sino quien más duro trabaje y sea más persistente. Esa fue la clave de mi carrera”, argumentó.

“Me cerraron muchas puertas. Había lugares donde quería ir a cantar gratis y ni siquiera me dejaban ir a cantar gratis. Muchas veces salía a cantar y la gente me miraba como: ‘Ah, ¿Quién es este niño? Retírate, que no vas a hacer nada con tu vida, con tu carrera’. Y eso fue lo que quise plasmar en el documental: todos esos momentos de que nada fue de color de rosa”, afirmó.

Finalmente, Maluma aseguró que uno de los sacrificios que más le dolió fue renunciar a su juventud.

“Cuando comencé tenía 16 años y quería vivir mi adolescencia: quería vivir como un adolescente normal. Veía que mis amigos salían, hacían lo que querían, la pasaban muy bien, y yo no podía salir porque al otro día tenía que viajar, tenía una entrevista, tenía muchísimos compromisos”, expuso.

“Era muy feliz haciendo lo mío, pero estaba viviendo un mundo de grandes, de adultos (…). Mi familia me decía: ‘Juan Luis, tranquilo, que va a llegar tu momento’. Y yo decía: ‘Pero, ¿cuándo, cuándo? Lo único que hago es trabajar y trabajar’. Y luego me llegó. Ahora sigo trabajando muy fuerte, pero tengo mis momentos donde trato de disfrutar la vida, que también es importante”, cerró.

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Alfred Hitchcock: 120 aniversario de Su Majestad, el imbatible Rey del Suspense

Alfred Hitchcok en una de sus últimas visitas al Festival de Cine de Cannes

Este martes se cumplen 120 años del nacimiento de Alfred Hitchcock, uno de los mayores genios en la historia del cine, autor de películas para la eternidad, considerado como el gran maestro del suspense y aun plenamente vigente como influencia de los más brillantes autores modernos del género.

Desde Jordan Peele (“Get out”, “Us”) hasta David Fincher (“Gone girl, gone”, “Panic room”), pasando por Martin Scorsese (“Cape fear”, “Shutter island”), gran parte de la trayectoria de Brian de Palma e incluso David Lynch (“Mulholland drive”), las referencias al cine de Hitchcock se suceden en tramas que convierten al espectador en voyerista, con falsos acusados, víctimas rubias e identidades dobles.

François Truffaut aseguraba, incluso, que Hitchcock se encontraba al nivel de artistas como Kafka, Dostoyevsky y Edgar Allan Poe a la hora de describir la ansiedad del hombre.

“Hitchcock es puro cine, influencia ‘a fuego’ en el género y fuente de inspiración para tantos cineastas”, dijo a Efe el director español Francisco Javier Gutiérrez (“Rings”), un gran admirador de Hitchcock al que rindió homenaje con el cortometraje “Norman’s room”, que giraba en torno a la célebre secuencia de “Psycho” en la ducha, “de brillante ejecución e impacto”.

Aquel asesinato de Marion Crane es para Gutiérrez “referente y objeto de fascinación casi obsesiva”, un “momento irrepetible” del séptimo arte que logró “clavar en la retina” de los espectadores. Nominado al Óscar en cinco ocasiones como mejor director (“Rebecca”, “Lifeboat”, “Spellbound”, “Rear window” y “Psycho”, 1960), únicamente recibió el reconocimiento de la Academia de Hollywood con la estatuilla honorífica que se le hizo entrega en
1968 de manos de Robert Wise. Además, cuatro de sus obras obtuvieron
la nominación como mejor película (“Foreign correspondent”, “Suspicion”, “Spellbound” y “Rebecca”, que se llevó el galardón).

Pero su talento iba mucho más allá de lo que los premios podían
atestiguar.

El orondo realizador nacido en Essex el 13 de agosto de 1899, construyó una filmografía sin parangón a lo largo de seis décadas.

Sus inicios en la época del cine mudo dejaron perlas como “The Lodger”, en la que comenzó a labrar su peculiar capacidad para crear tensión y suspense (el denominado estilo “hitchcockian”), esta vez con una historia en la que una mujer sospecha que uno de sus huéspedes es un temido asesino en serie conocido como “El vengador”.

Además, la cinta es recordada por ser la primera ocasión en que el director hizo acto de presencia en la pantalla, una seña que se convertiría en característica de su cine.

Su primer trabajo hablado fue “Blackmail”, un film rodado originalmente en mudo y que, posteriormente, fue reeditado con sonido.

Y antes de dar el gran salto a Hollywood convencido por el productor David O. Selznick (con quien firmó un contrato por cinco películas y 800.000 dólares), dejó dos de los mejores thrillers británicos de la historia (“The 39 steps” y “The lady vanishes”) con elementos tan recurrentes de su cine como el espionaje y la confusión de identidades.

Con su marcha a EEUU se vio al Hitchcock más brillante y no pudo comenzar esa andadura con mejor pie que con un clásico en toda regla como “Rebecca” (1940), una película protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine que obtuvo 11 candidaturas a los Óscar.

Fontaine, un año después, se llevó el premio de la Academia por “Suspicion”, algo que ningún otro actor (hombre o mujer) logró con una película del cineasta británico.

Esa cinta supuso también su primer trabajo con Cary Grant, con quien volvió a colaborar en “Notorious”, “To catch a thief” y la mítica “North by northwest”, cuya escena del avión acechando al protagonista pasa por ser una de las más recordadas del celuloide.

“Rope” (1948), su primera película en color, fue también el inicio de sus trabajos con James Stewart, con quien filmó después “Rear window”, “The man who knew too much” y “Vertigo”.

Y en ese catálogo faltan aún por mencionar títulos como la célebre “The birds”, “Topaz”, “Torn curtain”, “Strangers on a train”, “Dial M for murder” o “Marnie”, entre otros, además del famoso formato televisivo “Alfred Hitchcock presents”, cuya inolvidable sintonía daba paso a la aparición de perfil del celebrado realizador.

Elisabeth Moss habla de "The Kitchen" y las mujeres en el cine

La actriz Elisabeth Moss en el estreno mundial de "The Kitchen", en el TCL Chinese Theatre, en Hollywood, California.

La actriz Elisabeth Moss cree que desde hace unos años la industria del entretenimiento "está comenzando a sacar a la luz historias sobre mujeres que aún no han sido contadas", como su última película "The Kitchen", protagonizada junto a Tiffany Haddish y Melissa McCarthy.

En la cinta, que llega mañana a los cines estadounidenses, el trío interpreta a un grupo de mujeres de la década de 1970 que comienzan a relacionarse con las mafias de Nueva York al tener que ocuparse de los negocios ilegales de sus maridos, encarcelados por las autoridades en el barrio de Hell's Kitchen, ubicado en el oeste de la Gran Manzana.

"Es una de esas historias que aún no habían sido contadas y creo que por eso es interesante que haya proyectos con mujeres involucradas. Estamos sacando a la luz relatos que hasta ahora nadie conocía", explica Moss en una entrevista con EFE junto a sus compañeras de reparto.

Precisamente, la película dirigida por la cineasta Andrea Berloff ha llamado la atención de la industria cinematográfica por narrar una historia de mafia y crimen desde el punto de vista de la mujer, con un reparto muy valorado por el público y la crítica.

"Tenemos la oportunidad de contar el otro lado de la historia. Por eso es importante que haya más mujeres en la industria como el caso de esta película, dirigida y escrita también por una mujer", defiende la actriz premiada por sus papeles en la serie "The Handmaid's Tale" y "Mad Men", ambos con un fuerte vínculo feminista.

A su lado, sus compañeras de reparto, Haddish y McCarthy, asienten cada una de las palabras que Moss pronuncia, hasta que McCarthy toma la palabra.

"Creo que la cosas van progresando, con pasos de bebé y a veces algunos hacia atrás. Pero aun así creo que el mundo debe cambiar drásticamente", sentencia.

Justo al comienzo de "The Kitchen" suena el estribillo de la canción "It's a Man's Man's Man's World" que dice "este es un mundo de hombres", pero pronto el foco se posa sobre los papeles del trío de intérpretes.

"Es importante ver a tres mujeres liderando una película así", señala McCarthy.

Su personaje como esposa de un mafioso envuelta en la vida criminal y madre de dos hijos es quizás el que afronta problemas más cotidianos por su condición de mujer en una época y un ambiente aún más adverso contra ellas.

"Muchos de los problemas que aparecen en el filme son reales en el mundo -considera-. No tenemos las mismas oportunidades, nuestras habilidades a veces no cuentan igual".

En ese punto es donde la actriz encuentra un sentido a su trabajo y papel: "Ver los problemas de las demás hacen sentir que no estás sola, que la gente tiene inseguridades, se preocupa por su familia... y eso nos hace estar juntas".

Precisamente, uno de los desencadenantes que llevan a las protagonistas a involucrarse en el violento pero lucrativo negocio de la mafia neoyorquina es su dificultad para encontrar un empleo al ser mujeres, con dedicación a la familia y poca experiencia previa.

Al recordar ese aspecto, Haddish defiende a su personaje: "No sigue el camino correcto, pero es una mujer fuerte que tiene sueños, ambiciones y está dispuesta a cumplirlos", asegura.

A pesar del tono reivindicativo de las actrices, no todo es político en "The Kitchen", pues en verdad el filme es una cinta de acción y crimen que recupera la frenética ciudad de Nueva York de los años 1970 y sus negocios sucios a base de corrupción, amenazas y pistolas, muchas pistolas.

"No fue difícil grabar con pistolas", recuerda McCarthy. Sin embargo, su compañera Haddish deja un recado muy ligado a la trágica actualidad.

"Las pistolas en el cine, no por ahí fuera", sentencia.

"The Lion King" y "Once Upon a Time in Hollywood" destronados por la franquicia "Fast and Furious"

El actor Dwayne Johnson durante la premier en Hollywood de Boot & Shawn

La cinta de acción "Hobbs & Shaw", de la poderosa franquicia "Fast & Furious", destronó este fin de semana en los cines estadounidenses a dos grandes apuestas: "The Lion King", de Disney, y "Once Upon a Time...in Hollywood", la última película de Quentin Tarantino.

Según los datos de Box Office Mojo, la producción "Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw" superó este fin de semana los 60 millones de dólares de recaudación en la taquilla del apartado "doméstico", una categoría en la que se agrupan los ingresos en EE.UU. y Canadá.

Así, la primera cinta derivada de la famosa saga de acción y coches se estrenó en las grandes pantallas liderando el mercado, pero con una recaudación menor que la de las películas de la trama original.

En "Hobbs & Shaw", los intérpretes Dwayne Johnson y Jason Statham
se enfrentan a Idris Elba bajo la dirección de David Leitch ("Deadpool 2", 2018), en un reparto que completan Vanessa Kirby y la mexicana Eiza González.

Muy pocos estudios se han atrevido a estrenar sus proyectos en el mismo fin de semana que se lanzaba la nueva película de una saga cuyos ocho filmes originales han recaudado en todo el mundo 5,132 millones de dólares, de acuerdo con Box Office Mojo.

En segundo lugar ha quedado "The Lion King", la nueva versión del clásico de Disney que se estrenó liderando la clasificación.

No obstante, a pesar de perder el primer puesto, la nueva versión de la historia del león Simba y su tío Scar ha recaudado hasta el momento un total de 430 millones de dólares en los cines norteamericanos (EE.UU. y Canadá) y ha superado los 1,000 millones de dólares en todo el mundo.

Por su parte, Tarantino y su guiño a la industria del cine en "Once Upon a Time... in Hollywood" quedan en tercera posición con 20 millones en su segunda semana, después de superar la barrera de los 40 millones durante su primer fin de semana, lo que supuso el mejor estreno para el director en toda su carrera.

En el tercer puesto se situó "Spider-Man: Far from Home", que añadió 7.75 millones de dólares a un botín acumulado en todo el mundo, que también supera los 1,000 millones de dólares.

Casi empatada, en cuarta posición, se colocó "Toy Story 4", que
se embolsó más de 7 millones y roza los 1,000 de recaudación global.

Se exhibe en Miami una colección de la vida y carrera de Walter Mercado

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El idioma español, invitado de lujo en la 76 Mostra de Venecia

Periodistas a la caza de "estrellas" a su arribo a La Mostra de Venecia

Que la Mostra de Venecia sigue con interés el cine con acento hispano no es un secreto, y hoy lo demostró al incluir en sus varias secciones las últimas obras del chileno Pablo Larraín, el colombiano Ciro Guerra o los españoles Rodrigo Sorogoyen y Oskar Alegría.

Se trata de un certamen que tradicionalmente apuesta por el cine latinoamericano y en el que, en concreto, dos mexicanos se han llevado los dos últimos León de Oro: Guillermo del Toro con "The shape of wather" ("La forma del agua", 2017) y Alfonso Cuarón con "Roma" (2018). Y en 2015 fue para Lorenzo Vigas, por "Desde allá".

Una tónica que prosigue en la 76ª Mostra, que tendrá lugar entre el 28 de agosto y el 7 de septiembre y que, además, honrará a Pedro Almodóvar con el León de Oro honorífico.

Este año, en la Selección Oficial, desvelada hoy en Roma, contará con un viejo conocido del certamen, Larraín, que llevará su último trabajo, "Ema", una historia sobre las adopciones de hijos protagonizada por Gael García Bernal y María di Girolamo.

Larraín ya compitió en Venecia su tercer filme, "Post Mortem" (2010), y con "Jackie" (2016), la historia sobre Jacqueline Kennedy protagonizada por Natalie Portman que consiguió la Osella de Oro de la Mostra al mejor guion para Noah Oppenheim.

Por su parte Ciro Guerra, autor de "El abrazo de la serpiente" (2015), optará al León de Oro con "Waiting for the barbarians",basada en la novela homónima de J.M Coetzee sobre el racismo en Sudáfrica y que cuenta en su reparto con Johnny Depp y Robert Pattinson.

En la competición principal también habrá intérpretes españoles, como Antonio Banderas, presente en "The Laundromat", acerca la trama de los Papeles de Panamá y que cuenta con otras estrellas como Meryl Streep, Gary Oldman, Sharon Stone o Heffrey Wright.

Y en la película del cineasta francés Olivier Assayas, "Wasp Network", con Penélope Cruz, Ana de Armas, Edgar Ramírez, Gael García Bernal o Leonardo Sbaragia para ahondar en la historia de los cinco cubanos encarcelados por Estados Unidos desde finales de la década de 1990 por espionaje y asesinato.

El cine en español también estará presente en la sección Horizontes, dedicada a las nuevas corrientes expresivas, y en la que figuran Rodrigo Sorogoyen, con su largometraje "Madre", y Óskar Alegría, con "Zumiriki".

Este última cinta es la "más difícilmente definible" de la sección, en palabras del director Alberto Barbera, pues recoge la historia de un náufrago en un río de los Pirineos que busca su infancia y su relación con la naturaleza en un mundo de monstruos.

Una película que ha sido un "flechazo" para los organizadores, como reconoció Barbera, que señaló que "cada una de sus escenas es una idea soprendente".
De "Madre", resaltó que es la adaptación de un cortometraje, una historia sobre la condición femenina del realizador de títulos como "El reino" (2018) o "Que Dios nos perdone" (2016).

También el chileno Théo Court competirá en la sección Horizontes
con "Blanco en blanco", un filme protagonizado por Alfredo Castro y
ambientado en la hostil Tierra del Fuego a principios del siglo XX.

Fuera de concurso, Venecia verá el regreso del mexicano Guillermo
Arriaga, que llevará "No one left behind", tras su último y aclamado
trabajo, "The burning plain" ("Lejos de la tierra quemada", 2008).

La Mostra un año más volverá a apostar por las series y acogerá el estreno mundial de dos producciones muy esperadas, "The new pope" de Paolo Sorrentino, segunda entrega de la exitosa "The young pope", con Jude Law ataviado con el hábito talar pontificio.

Y "ZeroZeroZero", basada en el libro homónimo del escritor antimafia Roberto Saviano y que aborda el tráfico de la droga, el "petroleo blanco", desde los sangrientos cárteles sudamericanos hasta el negocio gestionado por las mafias en el sur de Italia.

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